La mayor parte del arte clásico se originó en Tailandia o bajo el patrocinio de las cortes reales. Es una amalgama de las mejores tradiciones culturales de Asia, mezclado y grabado en formas únicas instantáneamente reconocible como el tailandés. El arte clásico abarca el arte budista como se representa en la arquitectura religiosa, murales decorativos y las imágenes de Buda. El arte refleja la compleja estructura formal y la etiqueta de la cultura cortesana, con sus fuertes influencias indígenas, y expresó impulsos tanto religiosos como intelectuales. El espectáculo fue considerado de valor secundario en esta categoría de arte.
Otra categoría es el arte popular, que surgió de las realidades de los pueblos ancestrales  y de los ritos asociados con el nacimiento, la muerte y el ciclo estacional de los cultivos.
Cuando se habla de arte tailandés, en general, uno es capaz de distinguir entre estos dos grupos. Por otra parte, diferentes como son, también son complementarios y se refuerzan mutuamente. Gran parte del arte clásico o inspirado por la corte más tarde se convirtió en formas más simples que encontró el atractivo popular. El teatro clásico, por ejemplo, se trasladó a la esfera de la cultura popular en forma de óperas de historietas populares.

Artes Manuales Tradicionales Tailandés

Durante el período de Ayutthaya, escritores, pintores, bailarines, escultores, arquitectos, músicos y artesanos estaban bajo la protección real de los reyes y la nobleza. Los arquitectos y artistas de Tailandia fueron los responsables de la construcción y decoración de palacios, monasterios, santuarios y en las formas y estilos convencionalmente aceptables. A diferencia de sus contrapartes occidentales, no eran de esperar para mostrar la originalidad revolucionaria o inventiva. Así el arte y la artesanía fueron transmitidas de generación en generación según la disciplina rígida.
En un intento de proporcionar la formación general para los artesanos tailandeses, especialmente aquellos que trabajaban en los palacios, el Krom Chang Sip Mu [Organización de las diez Artesanías] se creó. De acuerdo con el príncipe Pradit Worakarn, quien se hizo cargo del Departamento Sip Chang Mu durante el reinado del Rey Rama V, la organización original incluyó de hecho, por lo menos 13 tipos de artesanos diferentes: dibujantes, fabricantes de papel, grabadores, fabricantes de figuras, modelistas, yeseros, maqueadores, fabricantes de metal, torneros, moldeadores, tallistas, escultores y carpinteros.
En el período de Bangkok, estos fueron agrupados en 10 divisiones: dibujo [que incluye ponente, pintores, muralistas, y manuscritos ilustradores], grabado [talladores de madera, grabadores en metal, incrustaciones de metal precioso], torneadores [torneadores, carpinteros y ebanistas, trabajadores del mosaico de cristal], la escultura [escultores de papel, frutas decorativas y talladores de vegetales], moldeadores [modelado de cera de abejas y ruedas de bronce, máscaras y titiriteros], fabricantes de figuras [fabricantes de maniquís y de prototipos], piezas de fundición [artesanos en bronce y fundición de metales], enyesado [albañiles, figuras de yeso, trabajadores del estuco y los escultores], maqueadores [de objetos de laca e incrustaciones de madre perla], y batidores [artículos de metal y acabado de metal].
Las artes y artesanías contemporáneas de Tailandia, aunque modernizado en cierta medida gracias al avance tecnológico, son todavía muy inspiradas en la tradición. Que van desde el delicadamente labrado de plata a numerosos artículos utilitarios de la vida cotidiana, son parte del rico patrimonio cultural del reino.

Pintura

La pintura clásica tailandesa se limitaba a los interiores del templo y del palacio y la ilustración de libros. La pintura mural fue desarrollada por un alto grado en la creencia de que las paredes deben realzar la belleza de los objtos religiosos y reales que éstas rodean.
La pintura tradicional tailandesa era típicamente asiática en ese punto de vista convencional, fue ignorada y las figuras eran grandes o pequeñas según su importancia. Las sombras eran desconocidas y el espacio era neutral en lugar de la atmósfera.
Las figuras eran de dos dimensiones  y los paisajes no eran más que superficialmente telones de fondo para una acción detallada. Una técnica de la composición pictórica llamada “zonas de reparto” fue empleada, comparable a la “vista de pájaro” de la pintura occidental. Mediante este método, las posiciones de las escenas clave fueron asignados primero y luego cerraban con “Transformadores del espacio” que efectivamente los aislaron de las consideraciones de la perspectiva mediante la supresión de cualquier espacio en el lugar intermedio o medio.
Las pinturas tradicionales tailandesas tenían cinco pigmentos primarios, los equivalentes a lago escarlata, ocre amarillo, azul ultramar, la pipa de arcilla blanca y negro de maceta. Con ellos fueron capaces de producir muchos otros colores. Todos eran de colores al temple, finamente en polvo que fueron agitados en tazones con una carpeta de goma, con palos para que funcione la fuerza y la consistencia deseada. Con estos colores los artistas tradicionales crearon composiciones de una belleza única en forma de murales del templo, banderas de tela, y las ilustraciones del manuscrito.
Los primeros murales sobrevivientes se caracterizan por colores de la tierra a partir de pigmentos naturales. Ellos representan fragmentos de las historias Jataka, episodios de la vida del Buda, las escenas de los cielos e infiernos budistas, las filas de los dioses y escenas de la vida contemporánea tailandesa. Los murales en el Wat Suthat de Bangkok y Thon Buri de Wat Suwannaram son buenos ejemplos particularmente.
La técnica tradicional de la pintura continuó en el período de Bangkok, cuando los colores se hicieron más ricos gracias a los pigmentos importados de China. A mediados del siglo 19, los artistas comenzaron a usar pigmentos químicos y la perspectiva occidental. Valores espaciales se abstuvieron de efectos atmosféricos, y láminas de oro opulentas y atrevidos colores primarios alterando radicalmente la delicada armonía de los viejos y tenue colores tierra.

Los pintores tailandeses con obras notables en general, alcanzan el nivel académico profesional de habilidad artística. Algunos de ellos han sido reconocidos y premiados con la Hariphitak, Chalerm Nakeeraksa, Sanit Dispandha y Tawee Nanthakwang.
Además, los pintores de Tailandia, aunque formados en el estilo tradicional, en la actualidad han sido influenciados por el estilo y la técnica occidental. Sin embargo, algunos han sido capaces de integrar los distintos estilos y crear así su propia expresión de arte. Chakrapan Posayakrit, por ejemplo, a la vez que es más conocido por sus retratos también es un pintor de escenas y personajes basados en la literatura tailandesa que logra transmitir un sabor que es a la vez moderno y tradicional.
Otro artista internacional contemporáneo es Thawan Dachanee, que ha experimentado ampliamente con su medio.

Escultura

La Phra Atchana, el Buda sentado en el Wat Si Chum, es uno de los mejores ejemplos de escultura de Sukhothai
Los escultores de Tailandia del pasado se concentraron casi exclusivamente en imágenes de Buda, produciendo obras que se encuentran entre las expresiones más grandes del mundo del arte budista. Éstos han variado en tamaño desde gigantescos Buda sentados de Sukhothai en el Wat Si Chum, que mide 11 metros de rodilla a rodilla, hasta pequeñas, Buda del tamaño de una uña usados como amuletos. Sus mayores logros fueron durante el período de Sukhothai, cuando la suavidad y el brillo de los metales fundidos cuadraba perfectamente con la elegante sencillez de la forma alargada de base. Para destacar las cualidades espirituales del budismo, los escultores tailandeses evitaron detalles anatómicos tales como los músculos y la estructura ósea, dándose cuenta de que éstas sólo distraen de la serenidad enigmática que era su objetivo.
La escultura de Tailandia recibió un impulso en 1933, cuando un escultor italiano, Corado Feroci fundó la Escuela de Bellas Artes que en 1943 se convirtió en la Universidad de Silpakorn. Habiendo primero llegado a Tailandia en 1924 para trabajar con el Real Departamento de Bellas Artes en la creación de esculturas monumentales, Feroci es hoy recordado como el padre del arte moderno en Tailandia. Se convirtió en un ciudadano de Tailandia en 1944, cambiando su nombre a Silpa Bhirasri, y se desempeñó como Decano de la Facultad de Pintura y Escultura hasta su muerte en 1962.
Muchos de sus alumnos han sido galardonados con el premio de “Artista Nacional”. Estos incluyen, por ejemplo, Paitoon Muangsoomboon, Chit Rianpracha y Pimarn Moolpramook cuyas obras han aparecido en varios lugares como en los Jardines Benjasiri en Bangkok. Otro artista que es bien conocido entre los tailandeses y en el extranjero es Misiem Yip-in-Tsoi. Se dedicó a la pintura, y luego a la escultura. Ella alcanzó un gran éxito en el campo de este último. Ejemplos de sus obras, muchas de las cuales representan los niños, se puede ver en muchas colecciones privadas, así como en un jardín de esculturas que ella estableció en Nakhon Pathom, cerca de Bangkok.
Muchos escultores modernos de Tailandia han experimentado con las posibilidades artísticas de los nuevos métodos tomados de la tecnología industrial para crear obras a la vez simple e increíblemente complejo en su significado y efecto. Otros han tomado los objetos de su entorno habitual y los han convertidos en llamativas obras de arte. En una exposición en la galería del Museo Nacional, cuernos de búfalo y cuero, sacos de arroz, tallos secos de arroz, hoces y otros implementos han sido utilizados para crear la esencia del ser en una granja.

Laca y la madre Perla Inlay

El arte de hacer laca originalmente vino a Tailandia desde China, probablemente a través de Birmania, ahora Myanmar, pero durante los siglos distintivos diseños y técnicas tailandés fueron evolucionando. Se convirtió en una notable artesanía en la provincia norteña de Chiang Mai y todavía se hace allí, en un número de hogares.

La laca comienza con la cestería de bambú finamente tejida o de madera bien curada que ha sido tallada o torneada en la forma deseada. A esto se aplica por primera vez un material de recubrimiento de base llamada samuk, compuesta de las cenizas de cascarilla de arroz quemada en el arroz o la arcilla de tierra mezclada con rak, o lacado negro, obtenido de un árbol que crece en las colinas del norte. Una vez seco, este se pule con piedra-jabón y luego otra capa se aplica. Este proceso se repite una y otra vez hasta 15 veces, creando una base rígida de laca durable. Al final, un último pulido se da con una hoja de papel de lija, llamado bai-nod.
El objeto está listo para varias capas de barniz negro puro, desde tres hasta seis capas. La última capa se pule con agua y barro cocido en polvo, dándole un brillo resplandeciente.
Un diseño a continuación, se aplica ya sea por el método llamado ” lai Kud ” o el llamado “lai rot nam “. Si el objetivo es ser en color, se utiliza lai Kud, mientras que el lai rot nam es el de objetos con diseños de oro. Al final del proceso el a color o el de oro se destaca sobre un fondo de color negro brillante.
El uso de la madre perla para adornar objetos tiene una larga historia en Tailandia. Piezas de estuco incrustadas con fragmentos de conchas se han encontrado en monumentos que datan del periodo Dvaravati (desde el siglo 6  al 11 d. C.), y la misma forma de la técnica puede haber existido incluso antes a lo largo de la región costera.
Sin embargo, estos primeros esfuerzos fueron crudos comparados con las magníficas obras realizados por técnicas perfeccionadas en los últimos años Ayutthaya y a principios del período de Bangkok, cuando las puertas del templo y ventanas, cajas de manuscritos, cuencos de limosnas, y muchos otros artículos eran espléndidamente decorados por el laborioso proceso que los tailandeses llaman khruang muk. El trabajo continúa prosperando hoy en la producción de muebles exquisitamente tallados, marcos de espejos, cajas y bandejas que son el orgullo de muchos propietarios, tanto en Tailandia y la carretera ab.
La técnica tailandesa de incrustación de madre perla implica el paciente corte de la luminiscente muk fai, o un caracol llama, autóctonos del Golfo de Tailandia. La superficie exterior de esta concha se retira con un cuchillo especial y la cubierta interna nacarada se corta en piezas bastante plana, cada una de unos dos centímetros y medio de largo. Con arena plana, se pegan a las superficies de madera para formar los patrones o las escenas y el área en el medio lleno de laca.

Cerámica

Hermosos tiestos que se remontan a más de 5.000 años han sido encontradas en Ban Chiang en el noreste de Tailandia, y el arte de dar forma y cocción a la arcilla ha continuado hasta la actualidad. Simples recipientes de barro aún se utilizan para cocinar y almacenar, mientras que la cerámica esmaltada más sofisticada también está siendo producida por métodos introducidos desde China hace 700 años.
Casi todas las regiones del país tienen su propia alfarería tradicional. El Norte, por ejemplo, hace bien las ollas de fuego lento y jarras de agua, ligeramente glaseado con terracota y el aceite para que sean capaces de mantener los líquidos, por la costumbre del norte, una de estas ollas se coloca fuera de la mayoría de los templos y casas particulares para que la sed de los extraños pueda cesar y refrescarse ellos mismos. La cerámica de color marrón oscuro en una amplia variedad de formas, desde macetas hasta los fantásticos animales, se produce en hornos cerca de la ciudad nororiental de Nakhon Ratchasima y Ratchaburi, al oeste de Bangkok, es conocida por su bonita decoración de jarras de almacenamiento de agua, de color verde amarillento y adornados con dragones y los remolinos florales.
Según la tradición, el arte de hacer celadón azul-verde delicado se inició a finales del siglo 13, cuando el rey Ramkhamhaeng de Sukhothai trajo a 300 alfareros chinos a su reino. En poco tiempo, la fuente de cerámica era comerciada por todo el sudeste asiático, hasta llegar a Filipinas e Indonesia.
La industria de celadón disminuyó con Sukhothai, pero ha resurgido en los últimos años en la ciudad norteña de Chiang Mai. La técnica sigue siendo la misma que en tiempos antiguos, utilizando un esmalte claro a partir de feldespato, arcilla caliza, ceniza, y una cantidad de arcilla roja. La madera utilizada para la cocción de los hornos proviene de un árbol pequeño que crece en la selva al norte de Chiang Mai, la ceniza del cual se supone que ayuda a impartir el color típico del celadón. Varias compañías ahora están haciendo la fuente de cerámica, que se está convirtiendo en una notable exportación tailandesa una vez más.

Tejeduría

De seda tailandesa de la ropa de las tribus de las montañas Homespun
La magníficamente iridiscente seda nubby tailandesa puede haberse originado en el noreste de Tailandia, donde el tejido de tela es un arte popular tradicional. Criando a sus propios gusanos de seda e hilando y tiñendo el hilo, las mujeres de esta aldea usan telares primitivos para producir las telas brillantes y venderlas en los mercados lejanos.
A pesar de que prosperó a principios de Bangkok, la industria de la seda entró en un largo declive a partir de la última parte del siglo 19, cuando más baratas, las telas producidas en fábricas de China y Japón comenzaron a inundar el mercado. Un intento de mejorar la producción se hizo durante el reinado del rey Chulalongkorn, cuando los expertos japoneses fueron traídos y un Departamento de sericultura se estableció, pero el esfuerzo tuvo un éxito limitado. Pocos años después de la Segunda Guerra Mundial, un estadounidense llamado Jim Thompson revivió la industria de la seda y la hizo reconocible en los mercados internacionales. Hay una serie de empresas de seda hoy en día, muchos de ellos en o alrededor de Bangkok, pero el Noreste sigue siendo el principal centro de producción; cerca de la ciudad nororiental de Pak Thong Chai, la empresa fundada por Jim Thompson ha construido la planta más grande de tejido manual en el mundo. Además lisa y estampa sedas de varios pesos, un número de tejidos especiales se han hecho célebres. Uno de ellos es el llamado mudmee, una especie de ikat, que es una especialidad del Nordeste. Gracias al estímulo de Su Majestad la Reina Sirikit, mudmee se encuentra ahora en amplio uso. Otro codiciados de seda es el ricamente bordado con hilos de oro y plata en los modelos tradicionales de Tailandia. Esto requiere más tiempo y habilidad para hacerlo y por lo tanto es el más caro, utilizado principalmente en tales ceremonias como bodas.
La seda tailandesa es hoy la artesanía más conocida de todo el país, que se encuentra no sólo en un sinnúmero de tiendas locales, sino también en todo el mundo. Se exporta en todo el mundo en longitudes de fricción, colchas, brocados, rayas, estampados, y con los controles y con el apoyo de una fabricación masiva y la infraestructura de ventas, muy lejos de sus orígenes humildes.
El flexible algodón tejido a mano de Tailandia también es popular. Fabricado en una variedad de pesos, tanto para prendas de vestir como para muebles del hogar, y se exporta en cantidades crecientes.
El bordado fino es una de las artesanías tradicionales de las tribus norteñas de las montañas, con los Hmong y los Yao que son personas particularmente hábiles para crear espléndidos diseños, geométricos y a color. En tiras largas, se utilizan para ribetear el borde de una falda o una chaqueta, en cuadrados para mejorar un chaleco o bolsa de hombro, en grandes piezas para hacer una bella colcha. Su Majestad la Reina Sirikit ha sido durante mucho tiempo una admiradora de bordados tribales y ha ayudado a promover el arte, sobre todo en telas hechas en casa, como el algodón y el cáñamo local que produce un tejido parecido a ropa de cama, entre las damas de moda en Bangkok y en otros países también.

Vajilla de plata

A pesar de que la vajilla de plata se hace en varias partes de Tailandia, el centro más famoso es el de Chiang Mai, donde se ha destacado como una artesanía local por lo menos mil años. En la antigüedad, se concentró en un pueblo llamado Aua Lai, en las afueras de la muralla de la ciudad, la aldea ha sido absorbida por la ciudad moderna, pero el área donde estaba aún destaca por su plata.
Los plateros del Norte han aplicado sus conocimientos a una gran variedad de objetos, desde copas hasta espadas, pero sus productos más comunes han sido ceremoniales cuencos y cajas de diferentes tamaños. Éstos son generalmente adornados con elaboradas decoraciones, ya sea figuras o motivos tradicionales tailandeses.

Música

Desde la antigüedad, el pueblo tailandés ha sabido fabricar instrumentos musicales o copiar los patrones de otros y adaptarlas a sus propios usos. De hecho, existen varios tipos de instrumentos musicales que los tailandeses aparentemente idearon antes de que entraran en contacto con la cultura de la India, que estaba muy extendida en el sudeste asiático antes de emigrar allí.
Más tarde, cuando los tailandeses estaban estableciendo sus reinos y habían entrado en contacto con la cultura india, en particular con los instrumentos de la India, que las culturas Mon y Khmer habían absorbido primero, asimilaron esta cultura musical en sí mismos.
A partir de este contacto, los tailandeses crearon varias nuevas clases de instrumentos musicales como el phin, sang, pichanai, krachap pi, chakhe y thon, que se mencionan en el Tribhumikatha, uno de los primeros libros escritos en tailandés, y en una inscripción de una piedra de la época del rey Ramkhamhaeng del período de Sukhothai. Algunas canciones del período Sukhothai aún se cantan en la actualidad, como Phleng Thep Thong.
Durante el período Ayutthaya el conjunto instrumental estaba compuesto de cuatro a ocho músicos. Las canciones  se hicieron más largas y la técnica del canto se mejoró. Muchas canciones Ayutthaya fueron compuestas en una forma de juego musical llamado Phleng Rua, que era una serie de canciones. Los poetas contribuyeron a las letras en forma de historias cortas, la mayoría de los Ramakian. Muchas canciones Ayutthaya se siguen utilizando en  obras tailandesas de hoy en día.
En el inicio del período de Bangkok, después de un largo período de guerra, se produjo un notable renacimiento de las artes tailandeses, especialmente la música y el teatro. El tamaño del conjunto instrumental fue ampliado a 12 músicos y varias obras maestras de la literatura tailandesa se produjeron como representaciones teatrales acompañadas con música. Hermosa letras escritas por poetas contemporáneos se incluyeron en las melodías del período de Ayutthaya.
Todos los músicos de Tailandia en el pasado recibieron su formación de sus profesores, a través de tocar y cantar constantemente en su presencia. Sin nada más que confiar en su propia memoria,  fue sólo a través de mucho trabajo duro que obtuvieron su experiencia técnica y conocimientos prácticos en tocar y cantar.
Más tarde, cuando Tailandia comenzó a tener contacto con las naciones de Europa Occidental y los Estados Unidos, los tailandeses aprobaron dichos instrumentos occidentales como el bombo, el violín y el órgano.
Para salvar la música nacional de la extinción, modernos músicos tailandeses están tratando de concebir un sistema en el que esta música tradicional se puede representar en notación occidental y editada más tarde. Según un libro escrito por Sir Hubert Perry, titulado “Evolución del Arte de la Música”.
“El sistema de escala de Tailandia es… extraordinaria. No se trata ahora pentatónica, aunque se supone que se deriva originalmente del sistema Java. La escala consta de siete notas que deberían por derecho ser exactamente igual en distancia el uno del otro, es decir, cada paso es un poco menos de un semitono y tres cuartos. Así que no tienen ni un cuarto perfecto ni un quinto cierto en su sistema, y sus tercios y sextas partes están entre mayores y menores, y ni una sola nota entre la nota de partida y su octava está igual a cualquiera de las notas de la escala europea… Su sentido de las correctas relaciones de las notas de la escala está tan desarrollado que sus músicos pueden saber por oído directamente una nota que no es fiel a su singular teoría. Por otra parte, con esta escala, han desarrollado un tipo de arte musical en el más alto grado complicada y extensa. ”
En total, hay cerca de 50 tipos de instrumentos musicales de Tailandia, incluyendo muchas versiones locales de flautas, instrumentos de cuerda, y gong utilizado para todo tipo de eventos: festivales, teatro popular, matrimonios, funerales y reuniones sociales después de la cosecha.
Los músicos más conocidos de Tailandia, tanto de la recuperación y hasta la conservación de la música tailandesa son Montree Tramote y Khunying Phaitoon Kittivan. Ambos fueron premiados también con la condición de “Artistas Nacionales” en la música tailandesa.

Su Alteza Real la Princesa Maha Chakri Sirindhorn, es un intérprete consumado de varios instrumentos musicales tailandeses clásicos. Se ha convertido en una líder activa de este movimiento para revivir el interés en el rico valor cultural de la música tailandesa entre las jóvenes generaciones.
La tradición de la música clásica occidental se introdujo a Tailandia antes de la vuelta del siglo. Su desarrollo se nutrió de Phra Chen Duriyang, que había estudiado los instrumentos de cuerda y piano con su padre alemán. Phra Chen estableció la primera orquesta de Tailandia en el Real Departamento de Entretenimiento y enseñó a muchos jóvenes músicos de Tailandia. A fines de 1920, otras pequeñas orquestas se establecieron como parte de las ramas de los servicios armados de Tailandia, y en 1934 la orquesta de  Phra Chen fue trasladada también y se convirtió en el núcleo de la Dirección General de Bellas Artes. Los músicos tailandeses han mostrado una mejora notable en el estilo y la técnica con los años y han enseñado a una nueva generación de músicos. A raíz de una unidad encabezada por los músicos, la Orquesta Sinfónica de Bangkok se estableció en julio de 1982 y dio su primer concierto público en noviembre de ese año.
La música popular occidental, introducida en la década de 1950, también fue ampliamente aceptada por el pueblo tailandés y hoy en día hay un gran número de grupos modernos, algo de música producida que combina elementos de pop y tradicional tailandesa.
La música juega un papel importante en la vida de la familia real tailandesa. Su Majestad el Rey Bhumibol Adulyadej es un músico de jazz reconocido a nivel internacional con numerosas composiciones originales en su crédito, una de las cuales fue presentada en un espectáculo de Broadway en la década de 1950.
El éxito de la música de Su Majestad llegó en 1964 cuando NQ Tonkünstler orquesta tocó una selección de sus composiciones en la Sala de Conciertos de Viena. Estas fueron difundidas también en toda Austria, donde se disfrutó de un éxito rotundo. Dos días más tarde, el reconocido mundialmente Instituto de la Música y las Artes de la ciudad de Viena le confirieron su condición de Miembro Honorario a Su Majestad el Rey en reconocimiento a sus logros musicales. Se convirtió en el 23 Miembro Honorario del Instituto desde su creación en 1817, y en el primer compositor asiático en recibir este honor.
Hasta ahora, la música del mundo ha reconocido a Su Majestad el Rey como uno de los grandes compositores vivos. Sus obras seguramente mantendrán su lugar entre los de los grandes maestros de la música y no sólo deleitará al público actual, sino también lo hará para las generaciones venideras.
La Asociación de Música de Tailandia, cuyos objetivos son promover la música tailandesa y salvaguardar el bienestar de los músicos, está bajo el patrocinio real.